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Folklore argentino para descargar y breve reseña

 
Los Carabajal

La chacarera es una danza y música populares originarias del noroeste de la Argentina en el siglo XIX. Es tradicional en Argentina y en el sur de Bolivia.
La chacarera se ejecuta tradicionalmente con guitarra, bombo y violín, aunque modernamente se admiten formaciones instrumentales muy variadas.
Puede haber chacareras cantadas —son tan tradicionales las cantadas en español como en quichua santiagueño, y también versiones bilingües—, o sólo instrumentales.
Es bailada por parejas que danzan libremente (pero en grupo) con rondas y vueltas.
Rítmicamente, se entendía que era una danza en compás de 6/8, aunque modernamente hay quienes sostienen que es una danza birrítmica, con una melodía en 6/8 y una base en 3/4 —el músico y educador Juan Falú (1948) defiende esta postura—, mientras que otros —como los músicos y educadores Adolfo Ábalos (1914) e Hilda Herrera (1933)— sostienen que es una danza monorrítmica, en 3/4. Este particular juego rítmico de la chacarera (entre compases binarios y ternarios) es compartido por otras danzas folclóricas argentinas, como el gato, el palito, etc.

http://es.wikipedia.org/wiki/Chacarera
 

Los Carabajal - 30 74
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Los Cuatro de Cordoba

De esos años en los que las apariciones musicales se definían estructuralmente como cuartetos acompañándose de dos guitarras y un bombo, con la preeminencia de un cancionero regional, emergen Los de Córdoba, como así se bautizaron en un principio.
Es Pateando sapos la obra que sirve para iniciar un camino sumamente favorable en repercusión, que caracteriza la acentuación del conjunto mediante el repertorio local y la abundante producción del Chango Rodríguez -como balandras, taquiraris, mareas y muchos otros-, que encontraron eco favorable en el orden nacional y también fronteras afuera.
Las deserciones y los desencuentros están a la orden del día en la historia particular de este grupo.
Nacen a partir de esos avatares Los Cuatro de Córdoba, como una necesaria diferenciación que encuentran Víctor Hugo Godoy, Héctor “Choya” Pacheco, Angel Bustamante y Américo “Meco” Albornoz.
No transcurre mucho tiempo para el reemplazo de Bustamante por Eduardo “Lalo” Márquez que abandona durante algún tiempo a sus compañeros y retorna años después a las filas del conjunto.
El ciclo teatral realizado junto a Luis Landriscina, “Canto al inmigrante” también fue incorporado a la historia discográfica.
Otra producción con Santiago Ayala, “El Chúcaro”, Norma Viola y Marcelo Simón, al igual que, en 1991, “Cordobeses y basta” -con el registro de notables artistas y grupos musicales nativos de la provincia- da la pauta de la idea asociativa del conjunto.
Los Cuatro de Córdoba han viajado con frecuencia al exterior, especialmente a los Estados Unidos, grabando en esas tierras varias producciones discográficas, al igual que en Bolivia -un país donde cuentan con una enorme popularidad-, recorriendo también el interior de la Argentina en innumerables giras y ofreciendo gran parte de un repertorio del que son autores y compositores. (1)

Los Cuatro de Córdoba han cosechado a lo largo de su carrera artística numerosos éxitos, a partir de la recreación de viejas composiciones del folklore cordobés. Entre sus interpretaciones más recordadas se encuentran la ya mencionada Pateando Sapos, la inolvidable Luna Cautiva (Chango Rodríguez), Guitarrero (Carlos Di Fulvio), La Patrulla, De Alberdi, La Jota Cordobesa, Córdoba de Antaño.

http://www.geocities.com/Nashville/Stage/4363/cuatro.htm

Los Cuatro de Córdoba - 27 83
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Lo Olimareños

Los Olimareños es el nombre del grupo de canto popular uruguayo formado inicialmente por Pepe Guerra, Waldemar Sasías y Braulio López, el cual luego adoptó la conformación del dúo integrado por Pepe y Braulio, se estima que en el año 1962. Su nombre tiene relación con haber nacido en la ciudad de Treinta y Tres (Uruguay), a orillas del río Olimar. Por cuestiones de la vida y la situación que por aquel entonces comenzaba a vivir el país, Waldemar y Pepe junto a Braulio partieron por distintos caminos. A pesar de la distancia y de los caminos disjuntos que han seguido, hasta la disolución final del grupo en 1990, todos se recuerdan afectuosamente, sin negar el valor que cada uno ha tenido en la vida de los otros.
Todos ellos están hoy en la memoria popular de su pueblo, su Treinta y Tres y su Uruguay. Para los tres están grabados en su memoria aquellos lejanos tiempos, donde unos muchachitos de pueblo comenzaron a tocar música en la casa de la familia Noble (fervientes admiradores del talento musical local), de la ciudad de Treinta y Tres.
En los años sesenta, fueron parte del primer movimiento del canto popular uruguayo, junto a Alfredo Zitarrosa, Daniel Viglietti, José Carbajal, Numa Moraes, entre otros.
La letras de sus canciones, provenientes mayoritariamente del maestro Ruben Lena y de Víctor Lima, reflejaban "las cosas de acá", y planteaban los intereses, preocupaciones y sentires, de las personas comunes, los trabajadores, así como las situaciones cotidianas del medio rural.
A pesar de tener un gran arraigo por su tierra, no eran ajenos a los movimientos sociales, culturales y políticos de América Latina. Esto los llevó a participar en distintas convocatorias internacionales, como por ejemplo, el "I Encuentro de la canción protesta" convocado por La Casa de las Américas de Cuba, y realizado entre el 9 de julio y el 10 de agosto de 1967.
A medida que la conflictividad social aumentaba en el Uruguay de los 60's y comienzo de los 70's, Los Olimareños, siendo coherentes ese arraigo popular, plasmaron en sus canciones las criticas a un estado progresivamente represivo. Esto les valió, posteriormente del golpe de estado del 27 de junio de 1973, la prohibición a sus canciones.
En 1974 comienzan su exilio que duraría 10 años, en los cuales recorrieron los 5 continentes, y se establecieron por temporadas más o menos largas en México y España.
Regresan al Uruguay el 18 de mayo de 1984 y cantan en el Estadio Centenario, bajo una fuerte lluvia, para unas 50.000 personas, después de 10 años de silencio.
En 1990 el dúo decide separarse comenzando -cada uno- carreras como intérpretes solistas.

http://es.wikipedia.org/wiki/Los_Olimare%C3%B1os

Los Olimareños - 15 63
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Los Tucu Tucu

Últimamente, el grupo estaba en plena presentación de su último trabajo "Más allá del amor", que incluye temas como "Más allá", "Cómo te estoy amando", "Zamba de usted" y "Bailarín". Entre los numerosos premios que recibieron, Los Tucu Tucu fueron acreedores del Ñandú de Oro como intérpretes y autores en el Festival de Punta Arena (Chile), el Primer Premio Internacional de Folclore en Madrid (España) y el Premio a la Trayectoria en el Festival de la Tonada (Tunuyán–Mendoza).

En junio de 1970 realizaron una gira por Europa y fueron elegidos para la inauguración del "Pavillón", uno de los lugares de España frecuentado por los grupos más selectos y con mayor capacidad económica. En 1980 cumplieron una gira "inolvidable" por la ex Unión Soviética, invitados por el gobierno ruso y la embajada argentina en Moscú. "Fue una de las mejores experiencias que nos tocó vivir como conjunto", contó Ricardo Romero en una entrevista con el diario tucumano La Gaceta. En 1992 recibieron el Premio SADAIC a los Grandes Intérpretes y participaron como representantes de la Argentina en Expo Sevilla 92’, donde compartieron escenario con Julio Bocca y Alberto Cortés.

En 1998, el Congreso los distinguió por su aporte a la cultura nacional y recibieron el segundo Camín Cosquín de Oro, máximo galardón del folklore argentino. Además, eran padrinos de varios festivales como el de Monteros, La Santafecita, Reconquista, La Chaya de La Rioja, Jesús María, Tinogasta y Merlo, entre otros.
En su vasta trayectoria, Los Tucu Tucu grabaron más de 600 canciones y consiguieron varios discos de Oro y Platino a partir de las ventas de sus discos. Al opinar sobre la vigencia del grupo fundado en Córdoba, Ricardo Romero indicó que "pensamos que hemos llegado a esto por la dignidad profesional del grupo y por un estilo que no ha variado".

http://www.26noticias.com.ar/los-tucu-tucu-uno-de-los-grupos-mas-queridos-de-la-argentina-48896.html

Los Tucu Tucu - 29 79
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Los Huanca Hua

Grupo vocal creado en el año 1960. En ese mismo año, es declarado Revelación de Cosquín, por el éxito de sus actuaciones en dicho festival y contratado por uno de los más importantes sellos discográficos de la época. Su primer disco es de los más vendidos del momento. Inicia giras por todo el país y por otros de Latinoamérica. En el año 1962 comienzan sus actuaciones en televisión.
La aparición de Los Huanca Hua en el medio folklórico argentino, impulsa la aparición de otros grupos vocales, siendo los más destacados Los Trovadores, El Cuarteto Zupay y Opus 4, en Argentina, mientras que en Chile aparecen Los Cuatro Cuartos y Quilapayún.
En 1965, Los Huanca Hua se presentan en el Carnegie Hall, en Nueva York, junto con Astor Piazolla y Edmundo Rivero, siendo ocioso abundar sobre el éxito obtenido en estas actuaciones.
En 1971, el grupo comienza su gira europea, la que se prolonga por dos años. Se presenta en España, Francia y Alemania, entre otros países europeos. Los Huanca Hua son los únicos interpretes argentinos que han presentado la versión completa de la Misa Criolla de Ariel Ramírez, durante un servicio religioso celebrado por el obispo de la ciudad de Colonia, en la famosa catedral de dicha ciudad alemana.
El grupo cuenta con gran cantidad de discos editados en el país, y 18 de ellos, además, en toda América, España, Francia y Japón. Actualmente, algunas de estas grabaciones han sido reeditadas en CD's.
Han participado grabando algunos de los temas musicales de la obra integral creada por Alejandro Dolina, "Lo que me costó el amor de Laura...", en la cual también colaboraron, en diferentes pasajes, Joan Manuel Serrat, Juan Carlos Baglietto, Julia Senko, Les Luthiers y Mercedes Sosa.
En el mes de noviembre del 2000, presentaron el espectáculo Por la Paz y la Esperanza, basado en la Misa Criolla de Ariel Ramirez, con arreglo especial de Pedro Farías Gómez, en la Séptima Serenata a La Niña Yolanda, que se realiza todos los años en Lozano, Jujuy.
Asimismo, en los meses iniciales del año 2002, terminaron la grabación de un último CD, con obras de variados autores y géneros, tradicionales unas, y otras no tanto, a fin de mostrar que es posible ser artistas actualizados, sin que para ello sea necesario perder las raíces y la esencia tradicional argentina.
El grupo se inició con Hernán Figueroa Reyes, Guillermo Urien, "Coco" del Franco Terrero, Pedro Farías Gómez y "Chango" Farías Gómez. Luego del fallecimiento de Pedro Farías Gómez los Huanca Hua han dejado de existir formalmente.

http://www.socavon.net/huancahu.htm

Los Huanca Hua - 14 36
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Los Visconti

Los Visconti de Argentina
NACIERON JUNTOS UN 11 DE JUNIO DE 1932 ; EN LA CIUDAD DE CORONEL DORREGO...PROVINCIA DE BS AS.-
SOBRINOS DIRECTOS DEL GRAN PAYADOR ARGENTINO ..."QUE NO SE VISTIÓ DE FRACK PARA CANTAR EL DOLOR DE SU PUEBLO..." DON LUÍS ACOSTA GARCIA...HERMANO DE DOÑA PAULA...MAMA DE "LOS VISCONTI"...POCHOCHO Y PELELE...ANDUVIERON CON MIL TRAVESURAS POR LA CALLESITAS DE DORREGO CIUDAD QUE NUNCA OLVIDARON;Y EN CADA LUGAR DEL MUNDO DONDE LES TOCO CANTAR..HUBO UN PÁRRAFO APARTE PARA CORONEL DORREGO.-
ABEL Y VÍCTOR TRIUNFARON...Y EN ESTA LEGENDARIA OBRA DE 50 AÑOS DE CANTO ESTOS SUREÑOS LOGRARON GANARLE EL CORAZÓN AL PUEBLO...A LA GENTE QUE FIEL SEGUIDORA DE ESTE ESTILO ROMÁNTICO Y PARTICULAR; LOGRARON SER DEL FOLCLORE "LOS REYES DEL VALCESITO"..."LOS MAESTROS DEL FOLCLORE"..(COMO LOS DEFINIÓ ASÍ LA HONORABLE CÁMARA DE DIPUTADOS DE LA PROVINCIA DE BS AS).-
ORGULLOSOS DE LA HERENCIA SUREÑA...HACEN TRADICIÓN EN SUS NOTAS..HACEN PATRIA EN SUS GARGANTAS..."CORONEL DORREGO"..LOS VUELVE A RECIBIR DESPUÉS DE MUCHOS AÑOS DE AUSENCIA...CON LA LASTIMOSA PERDIDA ...DEL QUERIDO Y RECORDADO "VICTOR VISCONTI"..CUYA PARTIDA FUE EL 12 DE ABRIL DEL 2003.-
MUCHOS AÑOS DE ANDAR JUNTOS POR LA VIDA ...DORREGO NO PODRÁ ABRAZARLO COMO EL SE LO MERECÍA...PERO LOS INTERPRETES NO MUEREN JAMÁS...Y EL RECIBIRÁ EL SENTIMIENTO DE SU QUERIDA TIERRA NATAL ...CUANDO EL 15 DE OCTUBRE EN LA PLAZA PRINCIPAL DE LA CIUDAD "DORREGO"...SE EMOCIONE AL COMPÁS DE ALGUNA ZAMBA..O ALGÚN VALSECITO...Y SE QUE LLORARAN AL COMPARTIR LAS ESTROFAS TAN CONOCIDAS DE" DORREGUERO Y PAYADOR"...O A "CORONEL DORREGO"...Y TANTAS OBRAS MAS.-
NADA ES CASUAL...VOLVER AL PAGO EL DIA DE LA MADRE...ES COMO VOLVER A LOS BRAZOS DE LA MADRE QUE "LOS PARIÓ" ...Y NOS DIO ESTOS DOS HOMBRES QUE TRANSITARON Y TRANSITAN LOS ESCENARIOS DEL MUNDO CANTANDO LAS COSAS DE NUESTRA GLORIA CRIOLLA.-
DOS VOCES ...DOS GARGANTAS QUE CONQUISTARON EL AMOR DEL PUEBLO COLOMBIANO...SOBRE TODO "JUANES"...QUIEN EN UN REPORTAJE MUNDIAL LOS IDENTIFICA COMO SUS "HÉROES" DE LA CANCIÓN...Y ADMITE QUE SUS PRIMERAS NOTAS FUERON LOS PUNTEOS DE "LOS VISCONTI"...
DORREGO LOS SEGUIRÁ LLAMANDO "LOS HERMANOS VISCONTI"...ASI SALIERON UN DIA ALLI....Y COSQUIN EN EL AÑO 1974 LOS BAUTIZO "LOS VISCONTI"...
LA VOZ DE VÍCTOR NO CALLARA JAMÁS ;MIENTRAS EXISTA UNA RADIO...MIENTRAS EXISTA LA DIFUSIÓN NACIONAL...Y EN ALGUNA CASA DE LA REPUBLICA EN ALGÚN APARATO .....SONARA UNA Y OTRA VEZ ;SU MAJESTUOSA Y PARTICULAR VOZ.
ABEL LE RINDE UN HOMENAJE EN EL ULTIMO CD. TITULADO "ADIÓS HERMANO" UNA OBRA EMOCIONANTE...PARA QUIEN DIERA POR LA MÚSICA.....Y AQUI ES DONDE SE VUELVE A NECESITAR DOS PARA QUE FLUYA EL DÚO...PARA QUE TODO SIGA TAL CUAL LO PLANEO VÍCTOR...ESA ANTORCHA LA RECOGE DIA A DIA ...ALGÚN INTERPRETE ARGENTINO....Y EN ESTE CASO..."OTRO ...SUREÑO Y DE COMODORO RIVADAVIA"...SU NOMBRE "CARIL PAURA"...NACIDO UN 30 DE NOVIEMBRE DE 1960 SE ENAMORA DEL ESTE ESTILO Y CONTINUA CON LA HUELLA MARCADA CUANDO ABEL LO CONVOCA PARA SEGUIR....A PESAR DE SEGUIR...AUNQUE FUERAN MUCHAS LAS VECES EN QUE PENSÓ DEJAR DE CANTAR.-
Y ASÍ...EL DESTINO QUE EN CADA HOMBRE MARCA EL CAMINO...MARCO EN ESTE NUEVO DÚO LA PERPETUIDAD DE LA ESCENCIA...PARA NO CALLAR JAMÁS INTERPRETACIÓN DEL ARTISTA...ASÍ SE VIVE..ASÍ SE SIGUE...IMITANDO A PESAR DE TODO...IGUALANDO...A PESAR DE TODO...VOLVIENDO UNA Y OTRA VEZ DE LA ANGUSTIA DE LA PARTIDA DEL SER QUERIDO..."VOLVER"...SIENDO PROFETA EN SU TIERRA ES EL MEJOR DE LOS HOMENAJES QUE PUEDE TENER "EL ARTISTA...

http://www.losvisconti.com/press.htm

Los Visconti - 15 48
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Los Indios Tacunau

Los hermanos argentinos Néstor Eduardo "Cacho" y Nelson Abel Tacunau forman desde hace años un dúo de guitarras que ha cultivado principalmente el folklore. Pero también han incursionado en el tango.
Su estilo de interpretación está basado en el toque que da la púa o plectro, que produce un sonido más "metálico" o más duro que el toque de los dedos. No es un toque delicado, sino firme, viril, no exento de su propia belleza.

http://herbtiogasite.blogspot.com/2007/02/los-indios-tacunau-luna-de-arrabal.html

Los Indios Tacunau - 28 75
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Margarita Palacios

"LA FLOR MAS BELLA DE CATAMARCA"

Fecha de Nacimiento: 22 de febrero de 1911 en Santa María, Catamarca, Argentina
Fecha de Fallecimiento : 9 de julio de 1983 en Ciudad de Buenos Aires, Argentina
Margarita Palacios siguio en el arte con la misma frescura de su tiempo de niña, cuando sus ojos se abrían al asombro de las ascuas del Circo al que Totó, su padre, dio el nombre que hizo leyenda.
Allí se enamoró del aplauso que es el premio que gana el artista en el camino de su fama. Y por eso no declina. Siguio ocupando escenarios llena de gracia, de humor, de simpatía y dulce ternura. Tambien en otra faceta del arte que es el milagro creador de la cocina.Nos regaló este su libro sobre comidas nacionales. En materia de cocina, sabemos que la originalidad es un hallazgo. Pero realizar un plato exige siempre una dosis de imaginación y talento creador que dan la exquisitez de los sabores. Y Margarita se lució aquí. . . En fin. Al libro hay que leerlo y a las recetas ensayarlas. Margarita Palacios nos regalaba otra forma del arte que es la cocina de su pueblo al que ella tanto amo y reverenció.
Tambien participó en algunas películas como:Al compás de tu metira (1950) , Cerro Guanaco (1959) junto a su amigo Arsenio Aguirre ,Con Gusto a Rabia (1965) y El Canto Cuenta su Historia (1976)

http://cancionesdemiviejopueblo.blogspot.com/2008/01/margarita-palacios.html

Margarita Palacios - 14 39
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Orlando Veracruz

Orlando Veracruz (*Santa Fe; 7 de agosto de 1944) es un cantautor argentino consagrado en el folklore que describe a su provincia natal, Santa Fe.
Durante los primeros años de su vida se trasladó a Santo Tomé, ciudad en la que reside actualmente. Desde temprana edad se unió a grupos de danzas folclóricas y comenzó los estudios de canto y guitarra, donde comienza su vocación por los cantos populares y el conocimientos de las costumbres de su tierra.
A los 8 años tiene su primer contacto con la poesía de Julio Migno, obra que le diera un rumbo a su trayectoria como artista. En la plaza del pueblo recita montado a su caballo " Canto a la Libertad", y desde entonces junto al poeta santafesino y sus propias composiciones, le dio a Santa Fé el canto nativo que le debía al país. Su voz y su decir representan a esta provincia con sabiduría en cada escenario donde se presenta.
Su trayectoria artística comienza al formar el grupo " Los Litoraleños", junto a jovenes de su pueblo que trascendieran el canto popular. Pero la obra que abrazara desde niño lo llevaría a la carrera solista por su regionalismo y su denuncia social. Aparece luego a nivel nacional con los reconocimientos de "Revelación Cosquín 1974" y "Consagración Cosquín 1975", editando una placa discográfica que contenía el éxito "Costera, Mi Costerita".
Además de los reconocimientos obtenidos en Cosquín, los galardones que obtuvo son muchos, pero cabe mencionar " Martín Fierro" de A.P.T.R.A en 1973, al mejor programa de interés cultural por Canal 13 de Santa Fé, Palmera de Plata Guadalupe 1975, Gurisito de Bronca del Festival Paso del Salado 1977 y muchas distinciones más.
A pesar de todas estas distinciones, su trayectoria discográfica se vio silenciada desde 1974 hasta 1984, cuando con el retorno de la democracia al país editó " Verdades", " Que Tendrás Pago" en 1985, "Pilchas Gauchas" en 1986, " Provincianía" en 1988, " Corazón de Río" en 1990, " El Canto Santafesino" en 1992, " Bajo Un mismo Cielo" de 1999 y finalmente " Estrellero" de 2001.

http://es.wikipedia.org/wiki/Orlando_Veracruz

Orlando Vera Cruz - 13 39
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Nelly Omar

Desde su nacimiento artístico, que se produce en los primeros años de la década del ¨30, Nelly Omar representa una de las expresiones más genuinas del canto nacional, entendido esto como una síntesis feliz de lo criollo o campero, y el tango, de ubicación urbana y/o suburbana.
Expresión estética ésta de profunda belleza particular que se inserta, precisamente por su particularidad, en un arte universal, común a todos los pueblos del mundo. La canción popular tiene eso, envuelve el sentimiento de los pueblos en letra y música, livianas, fáciles quizás, que tienen la virtud de captar los valores sencillos, inmediatos, donde la fugacidad se confunde con lo eterno.
De aquel lejano debut, siendo ella una chiquilla, han pasado mas de sesenta y cinco años. Tiempo que encierra más que una carrera artística, el tránsito vital de una "cancionera", una heroína (como fue Edith Piaff para los franceses o Amalia Rodriguez para los portugueses), suceptible de alcanzar la categoría del mito, dimensión ésta que involucra la lejanía del éxito momentáneo o circunstancial. El mito resume lo ideal y lo real, el claroscuro de lo misterioso y divino, lo alegórico y lo histórico. El arte de Nelly Omar, si bien lo ejerce desde sus inicios en "la gran ciudad", ésta es Buenos Aires, se puede decir que no ha sido tan violentamente erosionado por el "arte culto". Y es cierto, sí, su frecuencia con la poética de Homero Manzi (por ejemplo), con fuertes lazos ésta con la poesía literaria, no desdeña (nunca lo hizo) un criollismo auténtico donde sobresalen piezas como "Paciencia", "Misterio", "Tu vuelta", "Chumbale a los perros", "Alma en pena" (la canción de A. Fleuri y M. Paiva) y tantas obras de músicos y poetas que responden a una tradición gauchesca. Hija séptima entre diez hermanos de un estanciero genovés económicamente acomodado, nació con auspicio virginiano un 10 de Septiembre en José Bonifacio, provincia de Buenos Aires, pero anotada por razones de jurisdicción en el registro civil de Güamini. Su infancia primera transcurre así correteando campo, bebiendo una vastedad propicia a los sueños en comunión con la tierra. En su casa se escuchaban las grandes voces de la lírica italiana que su padre atesoraba en discos y en esas vivencias etapa presente la ternura materna de doña Salustiana Pesoa, su querida y siempre recordada mamá. Supo también por entonces escuchar historias y canciones en rueda de peones. Pero, y también de esa época tiene un registro imborrable: allí, en su misma casa, vio por primera vez a Carlos Gardel, a quien su padre invitó en oportunidad de una gira que "El Zorzal", estaba haciendo con José Razzano. En realidad, lo entrevió , o espió a través de la ventana, con su carita redonda y peinada con raya al medio.... La muerte temprana de su padre y el manejo tramposo de los abogados encargados de manejar la sucesión, deja a la familia a la intemperie cuando ella apenas tenía 11 años y obliga a su madre a emigrar con sus hijos a la capital.
Aquí conoce el rigor de la pobreza y Nelly (con catorce años recién cumplidos) debió emplearse como obrera en una fábrica de medias. "Hacía mi trabajo cantando... porque siempre canté (...). Mi madre me decía que yo sola me cantaba en la cuna (...) También en el colegio (...), y canto cuando estoy contenta y me ayudo, cantando, en los momentos de sinsabores..."
Ya veinteañera era oyente cotidiana de "Cenizas del Fogón", audición exitosa que salía por Radio Splendid. Por un impulso osado de su casi adolescencia, pide permiso a su madre para ir a ofrecerse y ocupar un lugar en ese elenco; permiso que consigue a condición de ser acompañada por uno de los hermanos. Así fue que una mañana le tomaron la prueba y esa misma noche debutaba en "Cenizas" e inmediatamente, los directivos de la emisora la invitan para integrar, ya como cantante de tango, otro programa que convocaba gran audiencia auspiciado por una famosa marca de aspirinas, cuya principal figura era un grande de la escena argentina: Enrique Muiño. Dos años después de su debut, en el año 1934, Nelly Omar gozaba de una fama considerable e inicia (en eso también es precursora), un dúo histórico con su hermana Nilda: "Las hermanas Omar". Lograron un fuerte impacto y gran popularidad en esa época. Su repertorio era muy variado: tango, valses, milongas, estilos, cuecas, etc. Quienes las recuerdan dicen que eran superlativas".. Eran dos voces de rica sonoridad y ajuste perfecto (...) Nelly hacía la primera voz y Nilda la segunda", apunta Visconti en el trabajo mencionado. Lamentablemente no ha quedado registro alguno de ese dúo que se deshizo en 1936. Disuelto el dúo, Nelly sigue sola un camino regado por el éxito. Radios, teatros y giras cosecharon aplausos, fervores y lealtades a su riqueza cancionera que llega hasta nuestros días.Recién en el año 1946 la convoca Francisco Canaro para realizar sus primeras grabaciones para el sello Odeón. En total fueron diez temas (entre el 46 y 47) todos realmente para la historia. Pero antes de eso , en 1937, había salido al tope de una encuesta realizada por la revista "Caras y Caretas" entre cancionistas, y eran tiempos que había muchas y muy buenas. Ya el público la conocía como "La Gardel con faldas" bautizada así una noche clamorosa en el cine Carlos Gardel de Valentín Alsina, cuando la concurrencia la alzó en andas terminada la actuación.
En realidad, antes de esa producción con el maestro Canaro, el sello Odeón la había convocado para hacer dos discos en el año 1944. Esa vez cantó con el acompañamiento de José Canet, Alberto Renersaro y Mario; el disco no salió a la venta por razones que aún desconocemos, de un modo que figuran en la discografía de Nelly en calidad de inéditos.
En 1955 se produce le golpe militar que derroca al gobierno de Juan Domingo Perón y se inicia para Nelly una larga etapa de silencio .
Es practicamente borrada de las radios y se le cierran las puertas de los escenarios. La prohibición surge a propósito de dos grabaciones que había hecho para RCA a instancias de su amiga Eva Perón.Viaja entonces a Montevideo y luego a Venezuela. Finalmente ganada por la desazón decide el retiro y vive su exilio fronteras adentro.
En 1969 vuelve a escena convocada por Reynaldo Yiso para grabar con el sello Magenta. cuenta Nelly: "... cuando escuché el disco lloré..., lloré mucho. Eran días en que la comida me escaseaba y la poca que tenía la compartía con mi perrita "Tripantú"...".
Poco tiempo después José Canet, notable guitarrista, la convoca para trabajar en un escenario que para Nelly sería inolvidable: "El rincón de los artistas", una modesta cantina que era reducto y refugio del poco tango que se escuchaba en Buenos Aires. Desde allí empezó el diseño de la segunda parte de su historia: inauguró el poncho para tapar la pobreza de su ropa; ese mismo poncho que hoy es su símbolo y marca. Nelly Omar fue edificando el mito, agregando sorpresivos capítulos a su rica leyenda que está incorporada ya a lo más importante que tenemos los argentinos: el pueblo. Y es así que hoy es un estandarte vivo que se relaciona con una tradición cultural rica, variada, que posiblemente colisione con intereses vinculados con la política audiovisual imperante, más próxima a lo instantáneo y descartable que a permanecer. Es habitante de una gloria que, como Gardel o Corsini, está llamada a perdurar, porque ella, como nuestra música, en especial el tango "Son el testimonio de algunas cosas que aunque ya no estén, supimos conocer y amar. Ellos reconstruyen un instante feliz, una esquina olvidada, el sabor de un beso lejano..." (Héctor Yanover). Tal vez sea por eso que a más de uno se le eriza el alma cuando nuestra dama aparece en el escenario diciendo: "Bienvenidos... soy Nelly Omar... cantora nacional...".

http://www.elportaldeltango.com/especial/nellyomar.htm

Nelly Omar - 16 45
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Ramona Galarza

Ramona Galarza, "la novia del Paraná"
Nació en Corrientes en 1940. Cantante. Obtuvo popularidad en los años '60 como parte del boom folklórico.
En 1967 fue nombrada "Hija dilecta de la ciudad" por la municipalidad de Corrientes.
Durante los años '70 realizó exitosas giras por Latinoamérica y actuó en el Lincoln Center y el Carnegie Hall de Nueva York, EE. UU.
Participó en varias películas, como "Alto Paraná" (1958), "Buenas Noches, Buenos Aires" (1964), "Viaje de una noche de verano" (1965), "Ya tiene comisario el pueblo"(1967), "Argentinísima" (1972), "El canto cuenta su historia" (1976) y "Mire que lindo es mi país" (1981).
Entre sus interpretaciones clásicas se cuentan Km. 11, collar de caracolas, Pescador y guitarrero, Río rebelde, Merceditas, Virgencita de Caacupé y Bañado Norte.
Junto con Teresa Parodi grabó un compacto en vivo a partir del espectáculo Correntinas, con el que recorrió el país en 1993.
Figura emblemática de la comunidad argentina de E.E. U.U, suele ir a New York para los festejos por el 25 de mayo

http://groups.msn.com/nemeispaiva/ramonagalarzalanoviadelparan.msnw

Ramona Galarza - 14 32
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Suma Paz

Nació en Bombal, provincia de Santa Fe, el 5 de abril de 1939. A los seis años comenzó a tocar la guitarra, aprendiendo música en su ámbito familiar, y posteriormente con profesores. Estudió Filosofía y Letras y se graduó en la Universidad del Litoral.

A partir del año ’59, comienza su participación en programas de radio y TV. En 1968 viajó a Japón donde brindó cuarenta recitales, hizo un programa de televisión y grabó un disco. En 1977 estrenó la cantata "Ay, Patria mía", basada en la vida de Manuel Belgrano, con textos del historiador Máximo Aguirre y música de su autoría, que fue representada en el Teatro Municipal de Morón con la participación del Coro Mixto dirigido por el maestro Fernández Cevallos y el actor Oscar Casco en los relatos. En 1988 dio una serie de recitales en universidades de los Estados Unidos.

Por Radio Nacional y sus 40 filiales, escribió y condujo durante seis años el programa "Pampeanías". En la última edición del Festival de Cosquín recibió el Premio Especial a la trayectoria.

Entre sus trabajos más destacados están "La incomparable Suma Paz" (1960); "Guitarra, dímelo tú" (1961); "Suma Paz La incomparable" (1963); "Lo mejor de Suma Paz" (1970); "Las hondas raíces de Suma Paz (1980); "Llenar de coplas el campo” (1972); "Una mujer con alma de guitarra" (1970); "Para el que mira sin ver" (1982); "Homenaje a Atahualpa Yupanqui" (1994); "Canto de nadie" (2000) y "Parte de mi alma" (2005). Publicó tres libros de poesía "Pampamérica" (premiada por la Fundación Steimberg); "Al sur del canto" y "Ultima guitarra".

Entre otras distinciones, recibió el Premio a "Los Grandes Intérpretes" (SADAIC); el Martín Fierro del Instituto de la Tradición de Rosario; el Premio "Alicia Moreau de Justo"; el "Discepolín" del Departamento de Cultura del Partido Justicialista y el Kónex de Plata como una de las "Cinco mejores intérpretes de folklore".

http://www.legislatura.gov.ar/1inicio/061011/sumapaz.htm

Suma Paz - 15 46
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Peteco Carabajal

Peteco Carabajal (n. Carlos Oscar Carabajal Correa 25 de mayo 1956 La Banda, provincia de Santiago del Estero, Argentina) es un compositor, cantor y músico de guitarra, violín, percusión, quena).
Ha conjugado espiritualmente la música instrumental folclórica de percusión argentina, arribando al proyecto Chacarera Projeción. Su repertorio fue interpretado por muchos artistas populares argentinos: Mercedes Sosa, Los Chalchaleros, Los Fronterizos, Los Quilla Huasi, Horacio Guarany, Soledad, Los Tucu Tucu, Teresa Parodi.
Desde 1975 se integró a "Los Carabajal", actuando en Argentina, en sus festivales folclóricos, como también en España, Paraguay y Libia. En 1990, logra el "Premio Consagración" en el Festival de folclore de Cosquín.
En 1991 edita su primer disco como solista "Encuentros", editado por EMI.
Participa en dos discos junto a Mercedes Sosa con quien realiza como invitado giras por Alemania, Austria, Bélgica, Holanda y Suiza, por tres años.
Ha incursionado en la pintura, con excelentes trabajos.
Es autor de textos clásicos, entre ellos "Como pájaros en el aire" y la musicalización e interpretación del poema de Antonio Esteban Agüero, desaparecido poeta puntano "Digo la Mazamorra"

http://es.wikipedia.org/wiki/Peteco_Carabajal

Peteco Carabajal - 27 87
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Transito Cocomarola

Mario del Tránsito Cocomarola (San Cosme, Corrientes, 15 de agosto de 1918 – 19 de septiembre de 1974) fue un músico y folclorista argentino, una de las más influyentes figuras del chamamé. Entre su amplio repertorio, que ronda las 400 composiciones, se incluyen algunos clásicos como: "Kilómetro 11", "Puente Pexoa", "Rincón dichoso" y "Retorno".
En la década del treinta y cuarenta integró varios conjuntos musicales, tales como "Los hijos de Corrientes", el "Trío típico Correntino", "Los Kunumi", el "Trio Taragui". En el año 1942 grabó su primer disco en el sello Odeón. Sería el puntapié inicial de una larga carrera solista que alcanzaría hasta el año de su muerte. Durante la misma, tocó con todas las grandes figuras del género, entre ellas Roque L González; Juan Ayala; Antonio Niz; el dúo Verón-Palacios, el dúo Vera-Lucero, el Trío Lisardo Cáceres-Evaristo Reyes-Hipólito Argentino Vargas; cantores de la talla de Gregorio Molina; Julio Godoy; Luis Soloaga; Ireneo Ramírez, Carlos Ramírez, Elpidio Verón Miño, Juan Ojeda, Alfredo Alejandro Almeida.
Tras una complicación en una operación de vesícula, falleció el 19 de septiembre de 1974. En Corrientes, la Ley Provincial N°3278 instituyó esa fecha como "Día del Chamamé". Póstumamente fue nombrado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Corrientes.

http://es.wikipedia.org/wiki/Mario_del_Tr%C3%A1nsito_Cocomarola

Tránsito Cocomarola - 16 40
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Teresa Parodi

A los 9 años de edad comienza a tomar clases de canto y guitarra. Luego de presentarse en varios escenarios en 1979 integraría el quinteto del maestro Ástor Piazzolla como cantante invitada, realizando varias giras por el interior de Argentina.
Con el auspicio del gobierno correntino graba su álbum seminal Teresa Parodi desde Corrientes en 1980. Tres años después edita Canto a Los Hombres del Pan Duro musicalizando poesías de importantes autores como Jorge Calvetti, Manuel J. Castilla, Jorge Luis Borges, Leopoldo Marechal, Francisco Madariaga, entre otros. En el 84 participa por primera vez del Festival Nacional del Folclore de Cosquín. Al año siguiente se presenta en el estadio Luna Park junto a Pablo Milanés y Sara González, este concierto fue registrado en VHS por la empresa Acuario Video Film siendo el primer video de música popular argentina difundido en el mercado del país. En 1988 grabó junto al cantante Antonio Terragó Ros el disco Letra y Música y comienza un tour por Estados Unidos, un año después visita Europa y da conciertos en Madrid, París y Bruselas, cuando regresa a su país edita Otras Cosas. En septiembre de 1993 graba en vivo junto a Ramona Galarza Correntinas, dos años después lanzarían Correntinas II. En 1995 recibe el Premio Konex de Platino al mejor autor/compositor de la década. En 2000 es invitada por Mercedes Sosa para participar de una gira por Israel junto a Víctor Heredia, León Gieco, Julia Zenko y Alejandro Lerner. El 7 de Julio de 2006 Teresa Parodi es declarada ciudadana ilustre de la Ciudad de Buenos Aires por su trayectoria nacional e internacional como folclorista.

http://es.wikipedia.org/wiki/Teresa_Parodi

Teresa Parodi - 15 48
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Victor Heredia


 


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Víctor Heredia - 15 54
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Ariel Ramirez



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Ariel Ramirez CD 1 28 83
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Ariel Ramírez CD 2 19 53
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Atahualpa Yupanqui

TIEMPO DEL HOMBRE

La partícula cósmica que navega en mi sangre
es un mundo infinito de fuerzas siderales.
Vino a mí tras un largo camino de milenios
cuando, tal vez, fui arena para los pies del aire.
Luego fui la madera. Raíz desesperada.
Hundida en el silencio de un desierto sin agua.
Después fui caracol quién sabe dónde.
Y los mares me dieron su primera palabra.
Después la forma humana desplegó sobre el mundo
la universal bandera del músculo y la lágrima.
Y creció la blasfemia sobre la vieja tierra.
Y el azafrán, y el tilo, la copla y la plegaria.
Entonces vine a América para nacer en Hombre.
Y en mí junté la pampa, la selva y la montaña.
Si un abuelo llanero galopó hasta mi cuna,
otro me dijo historias en su flauta de caña.
Yo no estudio las cosas ni pretendo entenderlas.
Las reconozco, es cierto, pues antes viví en ellas.
Converso con las hojas en medio de los montes
y me dan sus mensajes las raíces secretas.
Y así voy por el mundo, sin edad ni destino.
Al amparo de un Cosmos que camina conmigo.
Amo la luz, y el río, y el silencio, y la estrella.
Y florezco en guitarras porque fui la madera.

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Atahualpa Yupanqui CD 1 26 84
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Atahualpa Yupanqui CD 2 18 52
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Horacio Guarany

Heraclio Catalino Rodríguez Cereijo, Horacio Guarany (n. 15 de mayo 1925, Las Garzas Santa Fe), es un cantor y escritor argentino. Es hijo del originario José Rodriguez (indio y hachero correntino) y de Feliciana Cereijo de Rodriguez (n. en León, España).
Tiene trece hermanos. Su padre trabajaba como hachero de empresa británica "La Forestal". Viviendo en el monte chaqueño, nacieron sus catorce hijos. En 1925, estaban cerca de Guasuncho o de Intillaco. Luego a Alto Verde.
De niño gustaba de la música, del canto, y aprende a guitarrear con el maestro Santiago Aicardi.
En 1943 viaja a Buenos Aires a intentar con el canto. Vive en una pensión, y canta en el Barrio de la Boca, en el boliche "La Rueda", sobreviviendo.
Trabajo luego embarcado de cocinero, y también foguista
Debut
En 1957 debuta en Radio Belgrano, consiguiendo que su composición "El mensú", de Ramón Ayala, se difundiera por las radios.
Fue pionero del Festival Nacional de Cosquín en 1961, y fue un clásico, año tras año con: "Guitarra de medianoche", "Milonga para mi perro", "La guerrillera, "No sé por qué piensas tú", "Regalito", "Si se calla el cantor".
Desarrollo
En 1972 filma su primer largometraje "Si se calla el cantor", con Olga Zubarry, sobre el triunfo de un cantante, luego de malas experiencias.
En 1974, dirigido por el mismo director Enrique Dawi, filma "La vuelta de Martín Fierro", con Onofre Lovero, un relato de la vida de José Hernández y de su obra.
Recibe amenazas de muerte, atentados con bombas, y debe exiliarse. Va a España, y le hacen desaparecer la dictadura militar todos sus discos. Retorna en diciembre de 1978, y el 20 de enero de 1979 le ponen una bomba en su casa de la calle Nahuel Huapi en Buenos Aires. Decide permaneceer en Argentina, aunque debió realizar espectáculos solo en el interior del país.
Con la democracia en 1983, regresa a recitales y presentaciones televisivas.
En 1987 actúa en la "Fiesta Nacional de la Tradición Frente al Mar" en Miramar (Buenos Aires).
En 2007 vive en su finca de Luján, con mucha arboleda añosa, y frutales. Sigue con su arte y oficio de cantar y de escribir.

http://es.wikipedia.org/wiki/Horacio_Guarany

Horacio Guarany CD 1 13 37
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Horacio Guarany CD 2 34 98
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Eduardo Falu

Nació el 7 de julio de 1923 en El Galpón, provincia de Salta en la República Argentina. El Galpón es un pequeño pueblo, un antiguo lugar de carreteras hacia la provincia del Chaco, en el que Falú permaneció muy brevemente. Hijo de Juan
Falú y Fada Falú, ambos sirios de igual apellido pero no parientes.
"Mi padre -nos cuenta Falú- era bastante soñador. Nunca se enriqueció con su comercio. Andaba siempre con la Biblia, leía los versos en árabe, amaba la poesía. Aún percibo el olor de los lazos, cueros y quesos con que mi padre llenaba el carruaje donde viajábamos, resultado del trueque de las mercaderías rurales por productos regionales. Mi infancia - continúa en su relato - transcurre en el Departamento de Metán, allí tuve mi primer caballo, "El Potro". Al negocio de almacén cayeron un día, para la venta, unas guitarras. Entre ellas y los serruchos que colgaban se estableció, en los días de algún breve temblor de tierra, una especie de vibradora y temblorosa sinfonía, muy curiosa, que, a lo mejor, me introdujo en el mundo de la música…".
Atraído por esa curiosa sinfonía, a los 11 años ya tenía entre sus manos una guitarra, propiedad de
su hermano mayor, Alfredo. Alfredo tomba clases con un profesor y Eduardo lo copiaba al pie de la letra, y así, sacó sus primeros tonos.
"La guitarra en esos tiempos - nos dice Falú - era cosa mal vista y una carta blanca para la farra. Con ella, conocí un mundo corajudo, un verdadero sainete costumbrista, y entreví mi destino guitarrero".
A los catorce años se muda con su familia de Metán a Salta donde la guitarra lo termina de conquistar para siempre. En Salta conoce a Arturo Dávalos y poco después a Jaime Dávalos, autor
de innumerables poemas a los que Falú le pone música.
Se casa con doña Aída Nefer Fidélibus, a quien, cariñosamente, llama Nefer. La vida les da dos hijos: Eduardo y Juan José. Juan José, al igual que su padre, siente una gran afición por la guitarra y el canto.
De estatura sobresaliente, ojos verdes, tristones, inundados de esa nostalgia de árabe acriollado en una tierra que aprendió a amar, casi más que a sí mismo. De esa mirada que fluctúa entre la interrogación y el asombro, se desprende bondad y mansedumbre, y tal vez un dejo de altivez sin desafío, que deja al descubierto un alma verdaderamente límpida, frontal, sincera.
Falú escapa a todos los esquemas estereotipados de "bohemio", por el contrario, es un buen deportista al que le gusta nadar, cazar y volar. De ademanes serenos y reposados es, entre ajenos, un hombre serio, y entre amigos, de una cordialidad amistosa entrañable.
Es andariego, nostálgico, vehemente y ávido de saber. De fina intuición para adivinar la naturaleza y sentimientos de quienes lo rodean y elegir sus amistades con seguro instinto. A sus naturales cualidades, Falú ha sumado su disciplina, su responsabilidad, su cordura. Ha sabido ordenar el vuelo de su imaginación.
Su primera guitarra fue una de esas, como ya dijimos, que colgaba entre serruchos y cencerros y que sonaba con cada temblor del suelo salteño. Años más tarde la Antigua Casa Nuñez le hizo llegar una guitarra a Metán. De esa guitarra Falú nos cuenta: - "Al desembalarla y sentir el olor de la madera lustrada y al admirar el brillo que despedían su tapa, caja y clavija mecánico, me pareció ser el poseedor del instrumento más valioso del mundo".
Ya en Buenos Aires, conoce a un gran luthier, Francisco Estrada Gómez, buscador y creador de nuevas formas para lograr más volumen de sonido. La primera guitarra de doble fondo que él ideó y construyó, fue para Falú.
El propio Falú escribió: "Pocos instrumentos son capaces de expresar emoción, patetismo, alegría y todos los estados del alma con tanta fidelidad como la guitarra".
Eduardo Falú es un artista multifacético, aclamado de forma internacional, imposible de encasillar dentro de una sola idea. Es un refinado guitarrista, cantante consumado y un distinguido compositor. La calidad de su barítona voz, es admirada y amada en el mundo entero. Escucharlo, eleva y purifica.
La trayectoria artística de Eduardo Falú comieza en el ambiente familiar, más tarde se extiende a Buenos Aires, capital de la República Argentina, para luego conquistar y apasionar a los públicos más disímiles: América, Europa, Rusia, y Japón.
Como compositor, no sólo es el creador de obras modernas folclóricas, sino también de obras clásicas.
En su música se advierte una marcada influencia de las melodías de su provincial natal. Salta tiene ritmos propios: El Carnavalito, el Bailecito, la Cueca y algunos otros derivados de la combinación de la música india propia del lugar, y las melodías españolas que acompañaron a los conquistadores.
Si bien algunas de sus composiciones nos cuentan historias de los mineros bolivianos, los trabajadores en las zafras, los barqueros del Río Paraná, otras canciones nos relatan aspectos más universales de la humanidad: amor, muerte, soledad, coraje y la injusticia.
En el género épico de algunas de sus obras se refleja la herencia de viejas tradiciones. La música para el poema "Romance de la Muerte de Juan Lavalle", de Ernesto Sábato, refleja la lucha por la independencia.
En colaboración con Jorge Luis Borges (1899-1986) le da vida a "José Hernández" , -la pobreza del gaucho que habitaba las pampas argentinas.
Eduardo Falú ha creado música para más de un centenar de poemas, no sólo de Jorge Luis Borges y Jaime Dávalos, sino también de León Benarós, Manuel Castilla, Alberico Mansilla entre muchos otros.

http://www.guitarraonline.com.ar/falu.htm

Eduardo Falu CD 1 33 94
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Eduardo Falu CD 2 9 22
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Jose Larralde

José Larralde nació un 22 de octubre de 1937 en Huanguelén, Provincia de Buenos Aires - Argentina
Escribió sus primeros versos a los siete años de edad, iniciando así un camino vasto y fecundo que lo llevaría inexorablemente al corazón de los Argentinos. Descendiente de vascos y árabes, don José ha sido trabajador rural, tractorista, albañil, mecánico, soldador y, como él mismo se define, guitarrero y cantor.
Vivió frente a la casa de don José Dip y allí escuchaba continuamente a Jorge Cafrune.
Un día le pidió a don José Dip que le presentara a Jorge Cafrune. Durante una noche de 1966, en un asado en casa de don Eduardo Saad , tío de Larralde, don José Dip le dice que allí le presentará a Jorge Cafrune.
Allí, José le pasa a Jorge los temas que había compuesto, el último de los cuales, era "Sin pique". Luego de escuchar la interpretación de Larralde de "Sin Pique", Cafrune quedo prendado del tema y le pide a don José Dip que al día siguiente llamara a Hernán Figueroa Reyes, director de grabaciones de CBS, porque quería grabarlo en esa semana. Hernán le dice a don José Dip que ello es imposible porque estaba listo para salir el LP "Yo digo lo que siento". Pese a todo, Jorge se empecina y lo graba enseguida. Conjuntamente con "Permiso", "Sin Pique" apareció en el siguiente LP de Jorge, titulado "Jorge Cafrune" (CBS 8745), en 1967.
Veinte días después, Cafrune regresa a Huanguelén pues tenía que actuar en una localidad cercana, muy pequeña, llamada Girodías. Jorge hizo invitar a "Pepe" Larralde para que le acompañe.
En aquella oportunidad, Cafrune interpretó 3 temas, presentó a Larralde y ya no cantó más. Toda la noche quien cantó' fue Larralde. Desde entonces, en todas sus actuaciones, Cafrune siempre mencionaba "a un chango de Huanguelén", promocionando a Larralde.
En el año 1967, José Larralde grabó el primero, de una serie de treinta y un discos editados en la Argentina. Su intensa actividad discográfica sufrió interrupciones sobre todo por el contenido crítico de la mayoría de sus canciones. En todas ellas, están presentes las vivencias de oficios, situaciones y personajes que conoció y vivió a lo largo de su vida. Personalmente, además, ejercicio las más diversas ocupaciones en el medio rural. A sus versos, tal vez por desconocimiento del medio geográfico y social en que nació y creció, suele endilgárseles cierto hermetismo y rebuscamiento.
No obstante ello, si se analiza globalmente toda su producción, es fácil entender el porqué de la adhesión y fidelidad del público. Este quizás, valorice el desprecio del intérprete hacia la maquinaria comercial que, las mayoría de las veces, ha sido principal causante del bastardeo y desvirtuación del género.
En efecto, Larralde, desde hace años, desarrolla su labor artística lejos de los circuitos comerciales masivos de festivales y casi sin apoyo promocional y publicitarios de las grandes empresas de comunicación. Ello no le impidió, no le impide, ni le impedirá seguir concitando la atención y el apoyo de nutridos núcleos de seguidores en cada uno de sus recitales.
Su canto trascendió nuestras fronteras para llegar a países como Alemania, Australia, México, Brasil, Colombia, Venezuela, Uruguay, Paraguay, Chile y España entre otros. Como dato elocuente de su popularidad, baste decir que las ventas de sus discos han superado largamente los doce millones de unidades y que su obra más popular "HERENCIA PA´ UN HIJO GAUCHO", lleva vendidas, ya, más de cinco millones de placas.
Fue uno de los pioneros en difundir los loncomeos y cordilleranos de origen y ambientación patagónica recopilados y/o compuestos por los hermanos Berbel. Ocasionalmente abordó canciones del Litoral y Cuyo, o rescató viejos valses criollos como "Temblando" (Alberto Acuña - Gualberto Márquez "Charrúa"; "Cardo" (Pedro Noda - Enrique Uzal).
Recientemente lo han reivindicado, como modelo, algunos músicos del rock pesado local, en particular Ricardo Iorio, ex líder del grupo Hermética.

En 1995 se le otorgó el premio Konex al mejor cantante masculino de música de raíz folklórica, y en 1995 y 1996 obtuvo sendos premios ACE (Asociación de Cronistas del Espectáculo).
Como compositor, tiene en su haber mas de seiscientas obras, trescientas de las cuales no han sido editadas hasta el momento.
Cantor orillero, tal como él gusta que le llamen, exhibe hoy una trayectoria tan notable como digna, pues se ha alejado voluntariamente del consumismo perverso tan característico de nuestra sociedad. Sin embargo, y a pesar de ello, su gente no lo olvida. Así lo demuestran la concurrencia a cada una de sus presentaciones y las sostenidas ventas de sus discos. Su éxito artístico esta bien sustentado en la auténtica y sincera expresión campera tanto como por el permanente testimonio que ha dado, a lo largo de toda su obra, de sus convicciones.
En 30 años, José Larralde, ha forjado una mística acaso única en el folklore argentino. Su clara y potente voz y su estampa de patriarca contrastan respecto de su obra, que siempre recurre sólo a lo imprescindible para mostrar las cosas más comunes de la vida cotidiana.
Larralde dice sus verdades (dice verdades), y las dice con una convicción tal que las mismas trocan en universales. Canciones como "A las once menos cuarto", "Patagonia", "Y otras cosas fuleras" o sus monólogos, que regala entre tema y tema, muestran un Larralde sagaz, agudo y atento observador de la realidad del hábitat circundante. Pero Larralde no se queda allí, también es testimonial (muy testimonial), cuando arremete denunciando las desigualdades entre pobres y ricos, entre peones y patrones o entre los "todopoderosos" señores instruidos de la ciudad y los, aún hoy, desprotegidos trabajadores rurales.
Capaz de cantarle una bella despedida al cigarrillo (o al mate) como narrar poéticamente la envidia del pájaro preso ante la algarabía de los gorriones libres, Larralde observa, escribe y canta aquellas cosas que, en la premura por "vivir" lo nuestro, pasamos por alto.
Allí, en sus canciones y en su poesía de neta y auténtica raigambre campera, está el secreto de este autor de obras que recorren el país de punta a punta dejando, en cada pueblo, un poco del hombre que les dio vida.
José Larralde es, hoy en día, el único compositor del folklore nacional capaz de mostrar bellamente la esencia del hombre de nuestras llanuras.

http://www.donjoselarralde.com.ar/jl/index.htm

José Larralde CD 1 18 53
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José Larralde CD 2 24 96
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José Larralde CD 3 30 98
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Los Chalchaleros

Del Chalchalero

Quebrada de San Lorenzo
la sombra de los nogales
morada en la sarsa llora
madura mora bajo el chalchal.

El canto del chalchalero
la siesta del aire moja
y tiñe de amor la roja
pluma del pecho sobre el chalchal.

Canción de los chalchaleros
vertiente de pluma en flor
abierto color del ceibo
lastimadura del corazón.

Qué lindo cuando la espuma
con ojos de nieve baja
y en blanco jazmines cuaja
temblor de luna sobre el chalchal.

Al alba los chalchaleros
harán del cielo una rama
donde el chalchal se derrama
sonora sangre de manantial.

http://www.loschalchaleros.com.ar/

Los Chalchaleros CD 1 30 83
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Los Chalchaleros CD 2 30 81
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Los Chalchaleros CD 3 22 70
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Mercedes Sosa

Discografia

A quien doy
Acústico
Al despertar
Alta fidelidad
A que florezca mi pueblo
Canciones con fundamento
Cantata sudamericana
Como un pájaro libre
Con sabor a Mercedes Sosa
Corazón americano
Corazón libre NUEVO
De mí
El grito de la tierra
Escondido en mi país
Gestos de amor
Hasta la victoria
Hermano
Homenaje a Violeta Parra
Mercedes Sosa 76
Mercedes Sosa 83
Mercedes Sosa ´86
Mercedes Sosa en vivo en Argentina
Mercedes Sosa en vivo en Europa
Mercedes Sosa interpreta a Atahualpa Yupanqui
Misa criolla
Mujeres Argentinas
Navidad con Mercedes Sosa
Para cantarle a mi gente
¿Será posible el sur?
Serenata para la tierra de uno
Sino
Traigo un pueblo en mi voz
Vengo a ofrecer mi corazón
Yo no canto por cantar

http://www.mercedessosa.com.ar/marcosmaster.htm

Mercedes Sosa CD 1 22 96
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Mercedes Sosa CD 2 23 71
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Los Fronterizos

HITOS DE LOS FRONTERIZOS
A lo largo de los muchos años de historia de "Los Fronterizos" ha habido muchos momentos estelares.
Han realizado giras por todo el mundo y han cantado en los escenarios más importantes y conocidos.
Pero hay ciertos momentos que vamos a destacar en esta sección:
La grabación de un disco ya legendario, junto a Ariel Ramírez y Eduardo Falú: "Coronación del folklore".
La interpretación de la obra cumbre de Ariel Ramírez: la "Misa Criolla". El autor ha comentado en epetidas ocasiones que compuso la "Misa Criolla" pensando en las voces de "Los Fronterizos". Y así debió ser, pues la maravillosa composición de Ramírez es interpretada magistralmente por "Los Fronterizos" como solistas. Con ella dieron la vuelta al mundo y vendieron cientos de miles de discos.
El espectáculo que conjugó el folklore con los medios audiovisuales, algo absolutamente innovador en aquella época.
La celebración de los 20 años del conjunto, hecho que tuvo lugar en 1973 y que dio título al LP del mismo nombre.

Los Fronterizos CD 1 33 87
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Los Fronterizos CD 2 34 94
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Los Quilla Huasi


 


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Los Quilla Huasi CD 1 28 78
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Los Quilla Huasi CD 2 32 99
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Los 5 del norte - 15 37
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Los Cardozo_Los Imaguaré - 15 37
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Mizarez - 12 45
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Palacios Paz - 15 45
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R. Rimoldi Fraga - 15 49
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Zamba Kipildor - 15 45
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Hnos Abrodos - 15 47
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J. Cafrune D. Toro - 12 28
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Antonio Torno - 25 78
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Conjunto Ivotí - 15 35
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