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La clase de música

Metodología

 
 
La metodología va a tratar el aspecto de cómo enseñar, qué medios voy a poner al alcance del alumno/a para que adquiera ciertos conceptos, para que interiorice una actitud. Es obvio que “cada maestrillo tiene su librillo” , pero es importante que repasemos algunos aspectos:

ASPECTOS EDUCATIVOS Y DE LA CLASE DE MÚSICA

Motivación y actitud del maestro. Un maestro desmotivado llega a hacer daño al alumnado. Mejor   quedarse en casa,. Es lógico que todos nosotros no tenemos las mismas ganas todos los días, pero tampoco debemos de obviar que nuestros “clientes” son niños y niñas, es decir, seres humanos dispuestos a recibir una EDUCACIÓN.

Lo que se da primero siempre se da mejor, ya que al final los niños están cansados y con ganas de  recoger. Las clases suelen tener una duración de 45 a 55 minutos. Está comprobado que alargar este tiempo provoca distracción, pero si tenemos la suerte de tener a nuestros alumnos disfrutando de una actividad cuando quedan 5 minutos para el final, perfecto.

Tener cogido el nivel del grupo para darles siempre un poco más, nunca algo que no puedan alcanzar. Por ejemplo, en 6º de primaria no se enseñan las derivadas ni se analiza una sonata. Poniendo un ejemplo muy burdo, es como el burro y la zanahoria. Los alumnos deben de tener siempre algo que está un poco más allá, aunque nunca inalcanzable. Nuestros alumnos si terminarán “comiendo la zanahoria”, pero a su tiempo.

Fragmentar las actividades. Todo requiere su tiempo y sus pasos. El todo no es más que una conjunción de pequeñas partes. Una actividad nos irá llevando a otra más compleja y así sucesivamente.

ASPECTOS RELATIVOS SOLAMENTE A LA CLASE DE MÚSICA.

Trabajo en eco e imitación en todos los cursos. Primero debe de ser el profesor el que exponga, y luego ellos repetirán. Es fundamental en los primeros cursos de primaria, pero no se debe dejar de hacer nunca. Es una herramienta fundamental.

Pregunta / respuesta. Este recurso no falla. Kodàly lo trabaja bastante y recomiendo su uso a todos. Pongamos que estamos trabajando la escala mayor, los alumnos la tienen interiorizada y la manejan sin problemas. Por ejemplo, la pregunta sería lanzada por el profesor haciendo una semifrase suspensiva, y un alumno remataría la frase con una cadencia conclusiva. Este es uno de los ejemplos más populares. Cada uno lo puede aplicar según sus intereses.

Repetición pero no imitación. Es decir, no hagamos de los alumnos unos loros. Pueden repetir modelos propuestos por el profesor o por otros alumnos, pero han de intentar pensar por si mismos.

Introducir elementos sorpresas ("un desorden dentro del orden"). Es decir, algo que no esté previsto. Eso siempre mantendrá el interés, tendrá a los alumnos “en ascuas”, expectantes de cualquier cosa.

La clase de música nunca va a ser un espacio para el caos ni para que los alumnos den rienda suelta a una energía descontrolada. Si una actividad requiere de gritos, se grita, si requiere que saltos, se salta, pero nunca esto va a servir para que nos encontremos una clase de posesos que aúllan como locos. Si la situación se desmadra, cortar la actividad y dejar claras las normas. Volver a empezar.

Las distintas metodologías que nos encontramos en educación musical y que ahora se resumen son:

- Orff : Carl Orff (Munich 1895 - id 1982) fundó en 1924 una  escuela y creó un método de enseñanza de la música que sería ampliamente  adoptado, el Orff - Schulwerk. En 1930 escribió Schulwerk (1930), obra en la que recoge sus enseñanzas en la escuela de gimnasia, de música y de danza que había fundado en 1924 junto con Dorothee Günther. Introduce los instrumentos de percusión en la escuela, y asocia el lenguaje con el ritmo musical, así como la prosodia o recitados rítmicos. Trabaja la escala pentatónica y estudia los sonidos según la secuencia SOL, MI, LA DO, RE. Da mucha importancia a la improvisación, a la creatividad y al hacer, pero sin embargo no presta atención ninguna al canto (gran error). Jos Wuytack recogió su testigo e imparte cursos de esta metodología.

- Kodàly: (Kecskemét, 1882-Budapest, 1967) Zoltan Kodàly estudió el patrimonio folclórico húngaro junto con Bela Bàrtok y desarrolló un innovador método de enseñanza de la música. Hace uso de la fononímia, trabaja el canto y la altura relativa de los sonidos. Llama a las notas DO, RE, MI, FA, SO, LA TI, DO, y les pone números romanos ( trata las notas como grados). Consigue que el niño interiorice las distancias interválicas, y así pueda cantar en todas las tonalidades. El canto es natural. Por ejemplo, si en el piano se da un MI, y es la primera nota de la escala (I), para los niños será un DO, ya que no afina con el LA=440 Hz (Denomina a esto “método tónica DO”). También se debe a Kodàly la dirección sin escritura, el lenguaje rítmico (TA, TI), y el “piano vivo”. La compositora húngara Kàtalyn Szekèly imparte cursos en España sobre el método Kodàly (en húngaro se pronuncia “Koday”)

- Dalcroze: Émile Jacques Dalcroze (Viena, 1865-Ginebra, 1950) fue un músico y pedagogo suizo. Creador de la rítmica, método que permite adquirir el sentido musical por medio del ritmo corporal, fue con sus investigaciones uno de los principales innovadores que tuvieron una influencia decisiva sobre la danza moderna. Al analizar el movimiento en función de su sentido rítmico, encontró los principios de  “tensión –aflojamiento”, “contracción – descontracción”, base de la danza moderna. Su obra y sus principios fueron publicados en 1920, “El ritmo, la música y la educación”. Tuvo el mérito de hallar una pedagogía del gesto, sobre la génesis del movimiento: la música suscita en el cerebro una imagen que, a su vez, da impulso al movimiento, el cual, si la música ha sido bien percibida, se convierte en expresivo.

- Wards: Es un método antiguo, pero que da mucha importancia al canto y la entonación. Hace una fononímia relacionada con las partes del cuerpo.

- Chevais: Dactilorítmia (trabajo de las figuras musicales con los dedos, que logran así bastante independencia motriz). También usa el canto y la fononímia.

- Edgar Willems inventa el método musical que lleva su nombre. Se enfoca hacia la lectura musical, con el método de altura absoluta y diatónica. Trabaja mucho la discriminación auditiva ( con campanas, carillón intratonal). “DO móvil” y lectura relativa.

Pretende la alfabetización musical de los alumnos. Intervienen todos los aspectos musicales, movimiento, ritmo, etc... Para la discriminación auditiva utiliza campanas con forma normal y de elefante, cascabeles, etc... El profesor toca y los alumnos deben de discriminar auditivamente.

Usa el carillón intratonal, que es un buen método para el desarrollo auditivo. No es más que un metalófono de extensión Sol – La – Si – Do (una 4ª justa), pero dividiendo el tono en 18 partes. El profesor sacará el instrumento, y desordenará las placas. Los alumnos deberán ir escuchando y clasificando las placas correctamente. Esto debe hacerse en cursos avanzados, ya que es muy difícil el poder discernir entre distancias tan pequeñas. Hay instrumentos como la sirena y la flauta de émbolo, que nos pueden ayudar a "representar" el sonido. En la sirena será ondulante, y en la flauta de émbolo bastante más lineal. El profesor puede hacer algunos sonidos, y el alumno intentar reproducirlos al papel o con el mismo instrumento.

El tubo sonoro permite trabajar la armonía, ya que es capaz de reproducir los armónicos. Dependiendo de nuestra destreza, la gama será más o menos amplia. No es más que un tubo flexible del tipo de los usados en revestimientos de cables eléctricos. A este tubo se le aplica un movimiento circular (como si fuésemos a lanzar una piedra con una honda). Nos daremos cuenta que el tubo emite un armónico (armónico 1). Si vamos aumentando la velocidad, veremos como es posible ir sacando la serie armónica. Con esto vemos que la armonía está en la Naturaleza. Es realmente difícil hacerse con el control de los armónicos mediante este sistema, ya que la velocidad de giro no suele ser constante, pero merece la pena intentarlo.

Con la flauta de émbolo se puede llegar a “representar” el sonido. Una flauta de émbolo es un instrumento en cuyo interior tiene un tubo que se puede desplazar por el interior del tubo central de la flauta. El sonido que se emite es de tipo glissando. La sirena también permite representar el sonido. En ella, el sonido será ondulante, y en la flauta de émbolo bastante más lineal. El profesor puede hacer algunos sonidos, y el alumno intentar reproducirlos al papel o con el mismo instrumento.