A partir de los años 20 y 30 comienzan a notarse sus efectos en la pedagogía musical, donde surgen pedagogos como Jacques Dalcroze, cuyo pensamiento  es  el  punto  de  partida  de  la  larga  serie  de  transformaciones llevadas a cabo más tarde por Willens, Kodaly, Orff y otros.

  

Las  corrientes  pedagógicas-musicales  del  XX  parten  de  la  idea  de que la música forma parte de la realidad del niño. Así la Educación Musical puede  ser  atendida  en  una  doble  vertiente:  Educación  para  la  música  y Educación   a   través   de   la   música.   A   partir   de   ésta   última   surge   la integración de la Música en la escuela, para que esté al alcance de todos y no de unos pocos. Aquí la música pierde el carácter elitista que tenía en el siglo XIX.

En  la  actualidad  siguen  apareciendo  métodos  que  aportan  nuevos enfoques a partir del trabajo directo con los niños, si cambiar los principios básicos generales.

A  continuación  vamos  a  analizar  dichos  métodos  y  observar  su proyección en la educación musical escolar del siglo XX.

 

JACQUES DALCROZE (1865-1950)

 

 

Pionero de la educación musical, experimentó el fenómeno musical

 

 

mediante la experiencia física de los elementos de la Música. Mediante la abstracción de dichos elementos analizó la expresión musical a través del movimiento  del  cuerpo.  Para  Dalcroze,  comprender  la  música  significa realizar nuestro propio ordenamiento de los sonidos. Esta comprensión de la música puede estar facilitada mediante nuestro movimiento en relación al tiempo, espacio y energía.

 Consideró   al   ritmo   como   organizador    de   los   elementos musicales.  Para  Dalcroze  “ritmo  es  movimiento”,  “el  ritmo  asegura  la perfección  de  las  manifestaciones  de  la  vida”.  El  ritmo  está  ligado  al movimiento   físico,   utilizó   el   cuerpo   como   un   auténtico   instrumento musical.  Es  un  método  activo  de  educación  musical  mediante  el  que  se desarrollan el sentido y el conocimiento musical a través de la participación corporal en el ritmo

 musical.

Para  la  aplicación  de  estos  principios  ideó  diferentes  ejercicios  y juegos   musicales    basados   en   la   coordinación   entre   conocimiento    y movimiento,  como  medio  para  desarrollar  la  percepción,  compresión  y expresión musical.

La   educación   musical   moderna   ha   adoptado   definitivamente   el método  Dalcroze  y  su  educación  rítmico-corporal,  especialmente  en  la etapa de iniciación.

  

 

CARL ORFF (1895-1982)

 

 

Investiga  la  naturaleza  del  sonido  y  del  ritmo  y  su  percepción humana,  llegando  a establecer  una  relación  entre  música  y  movimiento corporal. Fruto de esta investigación es su obra “Schulwerk” donde expone sus teorías a cerca de la enseñanza musical.

Orff toma como base de su método los ritmos del lenguaje. La palabra es la célula generadora del ritmo y éste es el elemento básico de la música.

 El ritmo nace del lenguaje hablado, lentamente se va musicalizando con 2, 3, 4, 5 notas y es posteriormente transmitido al cuerpo.

Se  comienza  por  lo  más  cercano  al  niño:  el  recitado  rítmico,  esas fórmulas     rítmicas se experimentan a través de palmas,  pies... Posteriormente se pasa a la entonación rítmica comenzando por el intervalo de 3ªm (sol-mi) que es el más natural para el niño. Se ampliará la-sol-mi; la-sol-mi-do; la-sol-mi-re-do. La formación melódica basada en canciones populares   se   amplía   hasta   llegar   a   la   escala   diatónica   con   sus   dos modalidades: M y m. El desarrollo vocal se complementa con la expresión instrumental que aporta una dimensión armónica y tímbrica a la expresión musical.

La    dimensión    instrumental    constituye    una    de    las    grandes aportaciones  de  Carl  Orff.  La  incorporación  del  instrumental  Orff  a  la educación  musical  escolar  hace  consciente  al  niño  del  descubrimiento musical,  posibilita  hacer  música  en  grupo,  crear  nuevas  formas  y  tomar consciencia de los diferentes elementos musicales, y todo ello produciendo música con una calidad tonal equilibrada.

Para Orff la primera meta de la educación musical es el desarrollo de la facultad creativa que se manifiesta con la improvisación. Será necesario que el niño participe en la composición de melodías, acompañamientos y diálogos musicales en grupo.

 

ZOLTAN KODALY (1882-1967)

 

 

Destacado  compositor,  creó  la  Escuela  Musical  Húngara.  No  crea sólo un método, desarrolla una filosofía sobre la importancia de la música en la vida del niño, del joven y del adulto. Entre sus principios destacan:

- La Música es para todos, aunque no se aprenda un instrumento.

 

 - El aprendizaje musical debe seguir un proceso de lo simple a lo complejo.

 

 - No deben existir cortes en el aprendizaje musical.

  

- El adiestramiento musical debe comenzar lo antes posible.

 

 

Junto  a  Bartok  realiza  un  exhaustivo  estudio  del  folklore  húngaro. Parte del folklore como raíz cultural y como realidad musical más cercana al niño y se basa en el canto como actividad base de la enseñanza musical.

El canto es el mejor camino para enseñar y aprender música. Forma parte de nuestra función fisiológica. Es más fácil tocar una melodía que ya ha sido previamente cantada.

Entre  los    recursos  didácticos  que  utilizó  destacan  los  juegos  de movimiento  y  sobre  todo  la  utilización  de  la  fononimia.  El  do  móvil  o solfeo relativo considera por igual a todas las tonalidades, nos descubre las relaciones  entre  los  diferentes  grados,  la  función  armónica,  ayuda  a  la buena entonación y lectura y ayuda al oído interno. El solfeo silábico que relaciona fonemas con figuras rítmicas: ta, ti-ti, etc.

 

 

Kodaly articula la formación musical en dos niveles: Primer   nivel.

 

 (de 3 a 6 años) Se basa en actividades musicales y juegos con canciones. Segundo nivel. (de 6 a 17 años) Estructurado en 8 cursos, donde trabaja el Canto                   Coral         con    alumnos            seleccionados.              Esta                  estructuración             de   la enseñanza musical se mantiene en la actualidad en Hungría.

 

 

EDGAR WILLENS (1889-1978)

  

Introduce  una  dimensión  psicológica  en  la  educación  musical.  “El verdadero pedagogo es al mismo tiempo un psicólogo, debe ser capaz de interpretar  la  actividad  interior  del  alumno  durante  la  ejecución  de  un ejercicio, advirtiendo todos los mecanismos que intervienen: el intelecto, la sensibilidad y la motricidad” (Willens) La pedagogía de Willens se basa en el estudio profundo del hombre y de la música, de ahí extrae los principios y relaciones psicológicas en las que debe apoyarse la educación musical.

Su  objetivo  principal  será  el  desarrollo  del  sentido  auditivo:  a  este respecto    desarrolla    un    exhaustivo trabajo pedagógico     reuniendo colecciones  de   materiales sonoros     y  experiencias   de   discriminación auditiva para investigar el universo sonoro.

Para  Willens  el  ritmo  es  vida,  movimiento  ordenado.  El  sentido rítmico  es  innato  en  el  niño:  la  función  del  maestro  no  es  enseñar  sino ejercitar su sentido rítmico natural. La melodía nace de la afectividad. El sentimiento melódico tonal, las series melódicas están grabadas en el niño como resultado de la música que escucha desde su nacimiento.

Sólo  la  música  puede  musicalizar  al  niño.  El  maestro  es  un  mero guía, un intermediario en el proceso de musicalización entre la música y el niño.

También cabe destacar otras aportaciones metodológicas como son:

 

 

MAURICE MARTENOT

 

 Se  basa  en  la  invención  y  la  improvisación  colectiva,  vincula  los elementos  musicales  a  los  del  lenguaje.  Su  principal  aportación  es  hacer constancia de la necesidad de intercalar momentos de relajación y juegos de silencio en el desarrollo de la actividad musical. Así propone diferentes ejercicios  de  relajación  y  respiración  para  favorecer  la  concentración: sentarse  o  echarse,  ojos  cerrados,  escuchando  los  sonidos  del  ambiente, balancearse,  moverse  como   un  muñeco  de  trapo, contrastes entre movimientos de tensión y relajación. 

 

JUSTINE WARD

 

 

Se  centra  en  la  formación  vocal  y  el  control  de  la  voz  mediante variados recursos (fononímia, notación numérica, “do móvil”). Su método se basa en el Canto Gregoriano.

 

 

 

MARIA MONTESSORI

 

 

Su estudio se centra en el desarrollo de la sensorialidad auditiva para lo que utiliza diferentes materiales y objetos sonoros. Aplica su sistema de la educación de los sentidos a los niños ciegos.

 

 

MÉTODO SUZUKI

 

 

Es la más importante aportación oriental a la educación musical de occidente. La enseñanza individual será el punto de partida de la educación musical que llegará a su plenitud con la práctica musical en grupo.

Se basa en el aprendizaje instrumental (inicialmente el violín aunque ya se ha  extendido  a  otros  instrumentos)  y  el  proceso  educativo  involucra  a niños, padres y educadores.

En   la   actualidad   siguen   apareciendo   nuevos   métodos   que   son adaptaciones o renovaciones de los anteriores que surgen de la experiencia directa del trabajo en el aula.

 En conclusión, la experiencia directa en el aula y las adaptaciones de dichos  métodos  a  la  diversidad  socio-cultural  han  permitido  sucesivas actualizaciones, es por ello que todos son   importantes y su conocimiento permite  al  maestro  elegir  lo  más  idóneo  para  trabajar  en  cada  momento, elaborando su “método personal” de acuerdo con el contexto educativo y su propia experiencia.